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Una sola escena puede resumir The Longest Ride. Cuando Luke (Scott Eastwood), el fuerte, masculino vaquero protagonista se reúne con su refinada novia Sophia (Britt Robertson) en la elegante

galería donde ella trabaja, su jefa le pide su opinión sobre la exhibición. Después de ver que el arte abstracto (que a él le parece solo un montón de bolitas y palitos), se vende por miles

de dólares, Luke, que también vive de sus manos, le responde: “Creo que hay más estiércol aquí que en los establos donde trabajo”. Su juicio denota a la vez la falsedad del discurso

artístico como forma de vida y a los toros de los que él mismo vive. Asimismo, el espectacular éxito del autor Nicholas Sparks nos indica que mucha gente coincide con el punto de vista de

Luke: las expresiones refinadas y complejas del arte no les dicen nada. Claramente, la película está dirigida a ese público. 

Por otra parte, se podría descalificar a The Longest Drive por manejar el romanticismo anticuado y “rosa” que caracteriza a Sparks, pero en este caso habría que reconocer que por lo menos

aspiró a reproducir el discurso ideológico de Ernest Hemingway. En concreto, con lo que respecta a su obra maestra, The Sun Also Rises. Luke, como Romero, el torero héroe de la novela de

Hemingway, vive de los toros. Sin embargo, pero mientras que Hemingway reconocía que había  un principio estético y simbólico detrás de la “fiesta brava”, Luke participa en burdas

competencias donde debe permanecer montado en un furioso toro utilizando solo una mano (el máximo posible son 8 segundos). El “deporte” es brutal y la pregunta no es cuando, sino cuánto

podrán salir lastimados quienes lo practican.

Sophia representa, por su parte, a ese mundo sofisticado y femenino que Luke no entiende, pero respeta. Sophia viene de una gran metrópolis, pero acabó en una pequeña universidad de Carolina

del Norte por una beca para estudiar artes visuales. Está próxima a graduarse y su ambición de trabajar para una galería en Nueva York parece en camino de cumplirse. Es evidente que Luke no

encaja en lo absoluto en la idea que tiene Sophia de una pareja, pero ayuda que sea atractivo (el actor que lo interpreta es hijo de Clint Eastwood) y que su oficio le ha desarrollado una

fuerte musculatura que se muestra en detalle a la menor oportunidad.

Sophia se siente atraída por la caballerosidad y buenos modales de Luke, pero sabe que el romance no tiene futuro, pues en dos meses ella se va a Nueva York. Cuando él la lleva de regreso a

su casa, una vez decidido que su relación “no puede ser”, tiene la oportunidad de mostrar su heroísmo al rescatar a un anciano (Ira, interpretado por Alan Alda) que ha tenido un accidente de

auto. Ira sobrevive y los jóvenes comienzan una relación con él. Sophia se dedica a leer las cartas que alguna vez Ira le escribió al amor de su vida: Ruth, una judía austriaca que llega

con su familia a Carolina del Norte huyendo del nazismo. Ira, quien también es judío, la corteja, pero antes de casarse, es enviado a la guerra. Las historias entre las dos parejas se van

intercalando en el tiempo y así vemos cómo también Ruth representa el mundo sofisticado del arte, en contraste con Ira, quien es un simple vendedor de trajes.

En su intento por reproducir la dinámica de Hemingway en The Sun… Sparks parece olvidar que el discurso de la novela era pertinente en el contexto de la llamada Generación Perdida que es la

de los jóvenes después de la Primera Guerra Mundial. Como Jake, el protagonista de Hemingway, Ira también recibe una herida que pone en peligro su futuro con Ruth. La herida de Jake tiene el

sentido de simbolizar la “pérdida” de toda una generación de hombres; la de Ira, pretende ser similar, pero el contexto ya no es el mismo. Sparks se queda con el desprecio que Hemingway

sentía por los adinerados parásitos exiliados en París y los comparaba con aquellos que sí tenían que trabajar para vivir. Es cierto que Hemingway también abogaba por una versión de

masculinidad que estaba ligada a la capacidad de trabajar con las manos y en la naturaleza, y con eso se queda Sparks.

The Longest Ride va a complacer seguramente a los muchos admiradores de Sparks, cuyas nueve historias llevadas al cine han recaudado 750 millones de dólares. En ese sentido, se podría decir

que su contenido no es ni mejor ni peor que el de los otros éxitos de Hollywood. Seguramente el público que comparte el rechazo por historias sofisticadas es el mismo que se vuelca en los

cines para ver cintas de acción y superhéroes; o comedias como las de Jude Apatow, cuyos protagonistas masculinos son hedonistas adolescentes perenes. Los personajes de Sparks son hombres

“chapados a la antigua”, que traen flores a sus novias y que ponen al amor frente a todo. Puesto en el contexto de ese universo exclusivo de los blockbusters, las historias de Sparks por lo

menos aspiran a una visión del mundo —siempre en un pasado inventado— que, es evidente, le traen cierto confort a mucha gente para quien la realidad presente se ha vuelto demasiado compleja.

Es decir, no se les puede tomar en serio más que dentro de las reglas de su propio universo imaginario. Evasión pura, pero que se asume como tal y en ese sentido cumple bien su función.

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